Cómo Evitar Errores Comunes en la Producción de Audio
No permitas que los conceptos erróneos sobre audio te estanquen. El profesor de producción musical y entrenador certificado de Ableton, DUSTIN RAGLAND, refuta ciertos mitos comunes y ofrece sugerencias sobre cómo aprender de ellos.
Los jóvenes ingenieros de sonido, músicos y productores aprenden a ser artistas técnicos en un campo que está en un continuo estado de cambio y desarrollo. Mientras que mis primeros errores podrían haber ocurrido en una sola sesión de estudio o en un show apenas visto, mis estudiantes por lo general no tienen una gran visibilidad, reproducida en un loop en una era digital que nunca se olvida.
Mi objetivo como músico y educador es animarlos a través de estos errores, para que puedan convertirse en mejores profesionales del audio.
Aún así, es fácil dejarse distraer y afectar tu producción simplemente haciendo lo que hacen todos. Estos son algunos errores a evitar:
Mito 1: La saturación analógica siempre está bien para las señales digitales.
Los equipos analógicos y las emulaciones en plugin de equipos analógicos se utilizan a menudo bajo el supuesto de que sus circuitos solo están ahí para ser empujados a puntos de saturación. Lo que no acompaña a este proceso es la comprensión de los resultados musicales de estas premisas: la adición de armónicos complejos a la señal original que pueden volverse inarmónica o disonante; la ralentización de los transitorios que pueden no encajar en un arreglo con características de percusión densas.
Mito 2: El proceso de producción importa más que el resultado.
Los ingenieros jóvenes tienen ahora acceso inmediato a técnicas valiosas tanto de productores consumados como emergentes a través de fuentes en línea. Sin embargo, la presión constante a través de las redes sociales de cuán productivos parecen ser los demás, puede apresurar ciertas etapas de la grabación y el diseño de sonido. O, a la inversa, puede hacer que te estanques, porque un proyecto tiene que ser más novedoso que lo que alguien más acaba de hacer, independientemente del contexto musical o la visión del artista.
Mito 3: Cada sonido en una canción puede ocupar todo el espacio que desee.
Cuando se incorporan instrumentos electrónicos sintetizados, o estos forman la totalidad de una producción, las instancias estéreo individuales pueden ocupar una enorme cantidad de espacio sonoro, tanto en frecuencia como en dinámica. El enmascaramiento temporal y de frecuencia puede ocurrir fácilmente entre pistas, por lo que los faders se suben, los sonidos se agrupan y los arreglos se pueden volver sofocantes y estáticos.
Mito 4: El lenguaje y las tradiciones de las generaciones anteriores deben recibirse sin crítica.
Ya sea que se trate de terminología dentro de la tecnología musical como “digital/real”, “aficionado/profesional” o “productor/beatmaker”, los músicos jóvenes se enfrentan a un mundo de lenguaje que los define antes de tener la oportunidad de elegir su propio camino. Depende de todos nosotros fomentar tradiciones más justas, creativas e innovadoras de la ingeniería de audio.
Como dice la productora e ingeniera Ebonie Smith: “La mayoría del tiempo aprendo y lo hago mejor siendo disruptiva que cuando hago todo de la forma correcta”
Esta es una mentalidad esencial que espero encarnar y enseñar a cualquier estudiante de música y sonido: Escuchar los propios errores como el primero de muchos actos de escucha en una vida musical.
Dustin Ragland es profesor a tiempo completo en la Academia de Música Contemporánea de la Universidad de Oklahoma.
Texto e imágenes: Dustin Ragland
Este artículo se publicó originalmente en la edición impresa de LOUDER Music Makers.
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